Probabilmente sulla dicitura “idee rivoluzionarie” qualcuno potrebbe storcere il naso dicendo: non esageriamo… ma uno dei più sorprendenti e creativi artisti americani è questo Doug Aitken. Promotore della Land-art del nuovo millennio è riuscito a riportare l’arte al pubblico e il pubblico all’arte, così come hanno sintetizzato i critici di tutto il mondo, sperimentando con le più recenti avanguardie tecnologiche e realizzando strutture cinetiche le quali,  insieme, interagiscono con l’ambiente circostante coinvolgendo i performer con gli spettatori. L’insiemistica delle espressività è tale da assorbirti completamente, da trascinarti dentro a spazi diversi senza perdere l’intensità dell’azione, anzi, l’arte così come la conoscevamo viene ribaltata, deistituzionalizzata, portata nei luoghi dell’anima e lontano dai paletti fisici, mentali, canonici, dove eravamo abituati a consumarla: “sono molto interessato  al fatto che un’opera ti possa prendere alla sprovvista, ti spiazzi e come reazione ti possa dare energia, calore, vita dove c’è vita, che ti trascini dentro a un dialogo, dentro a un luogo. Non mi piace per niente l’idea di guardare l’arte con una distanza e un atteggiamento difensivo, intellettualizzato”. Infatti non è casuale che tutte le sue opere riescono a concentrare spettacolo e funzione estetica insieme ai paesaggi che ci siamo costruiti intorno, o al contrario ciò che abbiamo ingabbiato viene liberato definitivamente.
L’ultima sua idea, per esempio, intitolata Station to station – A Nomadic Happening, nasce dalla volontà, attraverso un “treno insallazione”, di collegare le due coste (est-ovest) degli Stati Uniti con delle carrozze concepite come una scultura al neon in movimento, mentre i loro interni sono stati trasformati come dei set per performance di tutti i tipi a cui hanno collaborato e partecipato musicisti ed artisti mondiali di ogni genere: da Urs Fischer a Ed Rucha, da Olafur Eliasson a Kenneth Anger, da Meschac Gaba a Carsten Holler, da Christian Jankowski a Beck, da Ernesto Neto a Ritkrit Tiravanija,  da Lawrence Weiner a Giorgio Moroder e altri, tanti altri. Se poi consideriamo cha ad ogni fermata (in totale 10: New York, Pittsburgh, Minneapolis, Chicago, Kansas City, Santa Fe, Winslow, Barstow, Los Angeles-San Francisco) si sono svolti eventi di ogni genere con la collaborazione dei migliori musei d’Arte Moderna americani e altrettanti artisti, spingendo la cultura a contatto di ogni situazione sociale, riusciamo a concepire la volontà partecipativa di Doug Aitken nel voler, come una sorta di catena collettiva,  un’unione di tutte le creatività in mezzo alla gente comune, unendo le due coste del paese a stelle-e-strisce. Un progetto di arte pubblica reso possibile dal sostegno della Levi’s che raccoglierà fondi per supportare la programmazione dei musei di tutto il paese.

se andate a questo link troverete performance per performance alle varie fermate di un incredibile viaggio “coast to coast”

http://stationtostation.com

Ma Doug Aitken non è solo questo, soprattutto quando una sua opera emerge nei contesti meno abituali, o al contrario, interagisce con l’arredo urbano completandolo, trasformandolo, piegandolo alle proprie esigenze creative con il fine di uscire dai claustrofobici confini che ci siamo costruiti intorno. Da il Sonic Pavillon di Belo Horizonte (una costruzione ne architettura ne scultura, così come è stato ribattezzato, ma un dispositivo per ascoltare i movimenti della terrra; un padiglione di vetro nel mezzo della foresta  con un microfono sistemato a un miglio di profondità per ascoltare i “rumori del Pianeta”) alla facciata del MoMA a Manhattan, la quale di notte si trasformava in uno schermo interattivo dove venivano proiettate le immagini cittadine del giorno appena trascorso, trasformando l’intimità del proprio quotidiano in  una pellicola dove rivedersi e ricorreggersi, anche nei gesti più semplici, lasciando l’aggressività della metropoli dentro ai colori di un presente frantumato e ricomposto per la nostra coscienza collettiva. Niente è stabile ma è tutto in movimento come un film in cui ognuno costruisce la sua trama ideale, uscendone rigenerato, perché riuscire a portare un’area di deserto nella stanza chiusa di un museo, e viceversa il microcosmo di una stanza d’albergo nella moltitudine della storie di una grande città, in mezzo alle sue strade, si ottiene quella comunione fra la materia e lo spirito, tra l’altro con un insieme di immagini stupende: una bellezza alla portata di tutti, come le sue video-insallazioni, strumento e gioia, vita, poesia che non si può dimenticare perché libero prodotto dell’artista ma, al tempo stesso di tutti noi, in mezzo a noi.

Station to Station  –  Coast to Coast  e  il viaggio continua…