Di fronte al miracolo dell’Arte o nel cuore dell’Arte stessa, noi abbiamo un sussulto, un mancamento. Siamo travolti dalla sua vibrazione fino a subire una forma di deliquio. Ci meravigliamo quando il fascino estremo di ogni sua espressività ci commuove o ci coinvolge dentro a tutte le emozioni possibili. Siamo vicini tanto alla vita come alla morte, nel senso che un flusso d’eternità ci attraversa e ci eleva oltre ogni forma di trascendenza. Non a caso Stendhal e come lui altri protagonisti della nostra Storia, hanno provato questo sentimento estremo fino a immergersi dentro al flusso ininterrotto della loro sensibilità, partecipi alla percezione della bellezza che li ha coinvolti e sedotti. In fondo, è un po’ come l’innamoramento: un’esplosione di sensi che ci travolge. Ecco che il poeta Angelo Maugeri si pone di fronte a questo stupore, come se il caos che l’ha generato, sia un binomio insostituibile nella successiva forma di equilibrio che porterà alla genesi delle sue parole: “Lo stupore e il caos“, appunto, titolo della sua ultima raccolta di liriche.
La poesia si sa, ha la capacità di assorbirti completamente, di ammaliarti, soprattutto quando si crea un interscambio reciproco fra le parti, un binomio imprescindibile generato dallo stretto rapporto autore-fruitore, come un’appartenenza, un gemellaggio artistico, una melodia che ti attraversa e la fai tua. E in un mondo caotico come il nostro, cosa c’è di più bello di un attimo di stupore? Probabilmente anche il nostro protagonista, prima ancora di regalarci le sue liriche, si è lasciato affascinare dai suoi stessi versi, creando quella vibrazione necessaria per la sua vitalità. Queste poesie lo dimostrano attraverso il flusso della loro musicalità, come se ogni parola, ogni frase, e nell’insieme anche ogni loro gesto, diventa o diventano un tessuto multicolore per un viaggio interiore alla scoperta dell’io e dell’intelletto. È come se il magma della loro origine, diventasse una forma che via via prende corpo, fino a diventare, prima, la percezione di un’idea, e poi, la raffigurazione dell’estetica.

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photo by Hengki Koentjoro

Queste liriche sono state estrapolate da un calendario del 2022 in edizione limitata della Helicon Edizioni, tutte interamente dedicate alla scomparsa del figlio di Maria Grazia Duval: poetessa straordinaria e amante della cultura a 360°, di cui ho avuto l’onore di avere una recensione sul mio ultimo libro, ma che in questo caso emergono in tuta la loro bellezza, sia per capacità musicale  e sia per spessore qualitativo veramente alto. Il dramma si trasforma in un’elegia di una delicatezza estrema, la quale si adagia attraverso un lentissimo blues dai contorni immaginifici e dalla sospensione che lasciano senza fiato, talmente siamo trasportati da queste onde sonore, come se fossero un soffio di fronte all’universo.

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La poesia è spesso un viaggio psicanalitico che supera gli abissi della nostra mente, perché, partendo da queste profondità, si eleva superando l’illusione di rigenerarsi con le parole. Sostanzialmente, la parola stessa diventa materia organica e non mezzo simbolico dove fondersi con i propri sentimenti, lasciandoli poi evaporare così come sono nati. Seguendo questa traccia la poesia di Lorenzo Morandotti si plasma proprio dentro una struttura mai casuale, nel senso che l’impatto emotivo, apparentemente oscuro, appartiene a una matrice ben definita e molto ragionata da cui è partita. Tra l’altro, il titolo di questa sua ultima opera è emblematico come se il nostro legame d’amore, fosse talmente indissolubile da non lasciare scampo a chi scrive, perché il poeta si volterà sempre per guardare il suo inferno, o il volto della sua amata perduta, e le conseguenze le conosciamo da sempre.

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In una stagione di lotte e fermenti come gli anni ’60 del secolo scorso, Pasolini inaugurava quella che chiamò “poesia operaia“, e che successivamente prese una strada del tutto particolare, un po’ per allontanarsi dalla realtà salottiera di allora, fintamente intellettuale, e un po’ per uscire dai piagnistei di una certa letteratura della solitudine, in cui molte liriche del ‘900 si erano circoscritte intorno alla politica del frammento, spesso incomprensibile. C’era bisogno di alzare il tiro della discussione, di far entrare la poesia nelle fabbriche per essere parte stessa della lotta, per sentirsi partecipi di un particolare periodo storico, per portare la cultura in ogni settore sociale, per dare voce a chi, altrimenti, veniva ghettizzato nei circuiti underground, perdendosi poi negli stessi labirinti in cui si cercava di uscire.  L’intellighenzia dominante (o del potere costituito) rifiutava una “parola” che esprimeva un dissenso scritto con i verbi di tutti i giorni. Si creò così una realtà parallela: quella alta sfociò nelle avanguardie, e quella proletaria invece, rimase ancorata nelle sue convinzioni di base, di denuncia, di provocazione, di realismo crudo e intimo nello stesso tempo, per farsi sentire, anche con i sentimenti. Potremmo citare esempi illustri come i ciclostili di Ferruccio Brugnaro, i volantini di Franco Cardinale, l’ironia di Donato Rossi e Sandro Sardella, i rumori di Francesco Currà, il ferro e la terra di Tommaso Di Ciaula, fino al dialetto di Giovanni Rapetti od opere splendide come “Una cosa sublime” di Attilio Zanichelli.
In questo filone s’inserisce a pieno titolo la poesia di Matteo Rusconi. La sua ultima raccolta intitolata “Trucioli” (AutAutEdizioni) è una bellissima dimostrazione letteraria di una giornata di lavoro in cui, la fatica, la fabbrica, l’alienazione e i fogli di un libro sono una cosa sola, fra ingranaggi e sentimenti.

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Flavio Almerighi è una di quelle persone che ha avuto la fortuna di vivere due esistenze: una pre-digitale e un’altra successiva. Fa parte di quella generazione cresciuta attraverso due modi differenti di percepire la vita, e ha la possibilità di sentirsi giudice di un certo comportamento che ci appartiene e che in un certo modo ci ha formato, attraverso le esperienze della crescita.

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Spesso celebriamo la scomparsa di personaggi famosi: artisti, cantanti, attori che hanno lasciato una traccia di loro in maniera indelebile nella cultura pop di questi ultimi anni. Ma chi vive intorno a loro con i suoi scritti andrebbe ricordato in egual misura, perché contribuisce non solo ad aumentare la nostra conoscenza e la nostra passione verso molti protagonisti (a volte anche minori), ma è proprio per mezzo di questi professionisti che un artista si fa conoscere in maniera completa, ampliando il suo alone mitico.
Maurizio Principato, oltre ad essere stato un giornalista di Radio Popolare,  è diventato un divulgatore musicale che riusciva ad andare oltre i soliti luoghi comuni nonostante si calasse nella parte con un’umiltà tutta sua. Le sue trasmissioni su Frank Zappa o John Zorn non solo mi hanno lasciato dentro una prospettiva diversa su quello che si leggeva in giro, ma entravano nelle vite di questi compositori con una originalità e una simpatia veramente alternative.

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